모더니즘 오페라의 등장

현대, 요즘 그리고 모더니즘 트렌드입니다

 

 

모더니즘

바르셀로나의 조각품

 

무조성 음악의 등장

 

 

아마도 오페라에서 모더니즘의 가장 분명한 양식적 표현은 무조성의 발달입니다. 오페라의 전통적인 음색 탈피는 리처드 바그너, 특히 트리스탄의 화음에서 시작되었습니다.

리처드 슈트라우스, 클로드 드뷔시, 지아코모 푸치니, 폴 힌데미스, 벤자민 브리튼, 한스 푸피츠너 등의 작곡가들은 보다 극단적인 색조의 사용과 더 큰 불협화음의 사용으로 바그너의 조화를 더욱 밀고 나갔습니다.

모더니즘 오페라의 또 다른 측면은 길고 중단된 멜로디에서 짧은 퀵모트로의 이행입니다. 이것은 처음에 주세페 베르디가 팔스타프에서 설명한 것처럼 말입니다. 슈트라우스, 브리튼, 쇼스타코비치, 스트라빈스키 등의 작곡가들은 이 스타일을 채택하고 확대했습니다.

 

아놀드 쇤베르크

오페라적 모더니즘은 두 명의 빈 작곡가 아놀드 쇤베르크와 그의 학생 알반베르크의 오페라에서 정말로 시작되었습니다. 아널드 쇤베르크는 무조성과 그 후의 발전(쇤베르크에 의해 작성된) 양쪽의 작곡가이자 옹호자입니다. 쇤베르크의 초기 음악극 작품인 Erwartung(1909년, 1924년 초연)과 Diegulücklich Hand는 일반적으로 색조의 조화와 불협화음을 많이 사용합니다. 쇤베르크는 또한 때때로 슈프리히 스팀을 사용했습니다.

쇤베르크의 제자 알반베르크, 워젝(1925년), 룰루(1935년에 사망)의 2개의 오페라는, 위와 같은 특징을 많이 가지고 있습니다, 그러나 버그는 쇤베르크의 12음 기법에 대한 매우 개인적인 해석과 보다 전통적인 톤의 (상당히 말라 적인 성격의) 선율적인 절을 결합하여 논쟁의 여지가 있는 음악과 플롯에도 불구하고 그의 오페라가 표준적인 레퍼토리에 남아 있는 이유를 부분적으로 설명했습니다. 쇤베르크의 이론은 그 이후로 그들 자신이 그의 기법을 이용해 작곡하지 않았더라도 (직접적 또는 간접적으로) 많은 오페라 작곡가들에게 영향을 끼쳤습니다.

 

 스트라빈스키

스트라빈스키는 불새라는 작품을 무조성 음악으로 발표하였다

이렇게 영향을 받은 작곡가로는 영국인 벤자민 브리튼, 독일인 한스 베르너 헨제, 러시아인 드미트리 쇼스타코비치 등이 있습니다(필립 그라스도 무조성을 사용하지만 그의 스타일은 일반적으로 미니멀리스트로 설명되지만 보통 20세기의 또 다른 발전으로 여겨지고 있습니다)

그러나 오페라적 모더니즘의 무조성 사용도 신고전주의의 형태로 반발을 일으켰습니다. 이 운동의 초기 리더는 Ferruccio Busoni로 1913년 그의 신고전주의적 넘버 오페라 Arlecchino(1917년 초연)를 위해 리브레토를 썼습니다.

또한 선구자 중에는 러시아인 이고르 스트라빈스키도 있었습니다.

디아길레프가 프로듀싱한 발레 페트르슈카(1911년)와 봄의 제전(1913년)을 위해 작곡한 뒤 스트라빈스키는 신고전주의로 전향해 오페라 오라토리오 오이디플렉스(1927년)에서 최고조에 달한 것. 스트라빈스키는 이미 그의 초기 발레의 모더니즘 경향에서 벗어나 오페라로서의 완전한 자격은 없지만, 확실히 레너드(1916년: 「노래와 춤의 벌레스크」)나 병사의 이야기(1918년: 「읽혀라, 연주된다」)를 포함한 많은 오페라적 요소를 포함하고 있었습니다, 그리고 두 경우 모두 설명과 지시는 작곡가의 것입니다.

후자에서는 배우들은 특히 오래된 독일 멜로드라마의 장르와 비슷한 악기 반주보다 지정된 리듬에 연설의 일부를 선언합니다.

림스키 코르사코프의 영감을 받은 작품 나이팅게일(1914년)과 마브라(1922년) 이후에도 스트라빈스키는 연재 기술을 계속 무시했고 결국 18세기형의 본격적인 다이어트닉 넘버 오페라 The Rake's Progress(1951년)를 썼습니다. 연재에 대한 그의 저항(쇤베르크의 죽음 이후 그가 역전한 태도)은 다른 많은 작곡가에게 영감을 주었습니다.

프랑스 메츠오페라 극장 내부 모습

 

기타 다른 오페라 사조나 경향입니다

오페라와 일반적인 오케스트라의 레퍼토리 모두에서 20세기 내내 일반적인 경향은 비용 절감의 수단으로 더 작은 오케스트라를 사용하는 것입니다. 거대한 현악 섹션, 여러 하프, 여분의 호른, 이국적인 타악기를 가진 장대한 낭만주의 시대의 오케스트라는 더 이상 실현 불가능했습니다. 20세기 내내 정부와 민간 예술의 후원이 감소함에 따라 새로운 작품이 의뢰되어 더 적은 예산으로 공연되는 경우가 많았고, 그 결과 실내 크기의 작품이나 단막 오페라가 많아졌습니다. 벤자민 브리튼의 오페라의 대부분은 불과 13명의 악기 연주자를 위해 채점되고 있습니다. 마크 아다모의 2막에 의한 리틀 우먼의 실현은 18명의 악기 연주자를 위해 채점되고 있습니다.

20세기 후반 오페라의 또 다른 특징은 더 먼 역사를 바탕으로 한 오페라의 전통, 현대의 가공 이야기나 연극의 재담, 신화나 전설을 바탕으로 한 오페라의 출현입니다. 크린호퍼의 죽음, 중국에서의 닉슨, 그리고 닥터 아토믹  존 애덤스, 제이크 헤기의 죽음, 마크 앤서니 타너지의 안나 니콜, 로빈 드 라프의 미스 먼로의 죽음은 최근 기억 속에서의 사건무대에서의 드라마화를 예증하고 있습니다, 초연 당시 오페라에 등장하는 인물들이 살아있었습니다. 오페라적인 목소리입니다

 

지금까지 오페라의 역사에 대해 알아보았습니다 

앞으로 오페라의 가창 기술에 대해 알아보겠습니다
오페라의 보컬 기술은 전자 증폭 이전 시대로 발전하여 악기 연주자가 그들의 음량을 크게 저하시키지 않고 오케스트라에서 듣기에 충분한 음량을 낼 수 있게 되었습니다.